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La nascita della prospettiva fu uno dei fattori fondamentali che vide sbocciare la nuova arte figurativa del ‘400, con il conseguente miglioramento delle proporzioni spaziali e della veridicità delle opere pittoriche dell’epoca. Accanto a essa troviamo la ricerca anatomica e della proporzione nella forma umana e animale, oltre che la espressività emotiva dei volti rappresentati.

Nel Rinascimento l’arte si trasforma, poiché a cambiare è il modo di pensare degli artisti: essi vedono il mondo che li circonda sotto una nuova lente, attribuendogli nuovi colori e sfumature.

Vediamo ad esempio il quadro San Giorno e il drago, dipinto da Paolo Uccello nel 1456, opera nella quale la prospettiva viene utilizzata perfettamente: il pittore sceglie di non sviluppare alcuna profondità nei soggetti nonostante questa tecnica fosse già presente e sfruttata in molti altri quadri, come la Crocefissione di San Pietro di Masaccio del 1426.

Altre opere dell’epoca ritenuta interessanti per la cura posta sulla figura e la condizione umana sono la Madonna in trono col Bambino e Angeli musicanti del 1405 di Gentile da Fabriano e Sant’Anna Metterza del 1426 del Masaccio. Il primo dipinto sfrutta la stratificazione dei colori per creare fantastici giochi di ombre e luce, mentre Masaccio basa i volti sullo studio dell’anatomia e della struttura ossea.

Come si presentava l’arte nel ‘400

L’arte nel ‘400 subisce una veloce e forte evoluzione che porta gli artisti a scoprire nuove tecniche che rendono la costruzione degli spazi molto più realistica (la prospettiva è una di queste). Inoltre, gli artisti iniziano a inseguire quell’espressività dei visi e della posizione del corpo dei soggetti che diventerà elemento principale delle opere del secolo successivo.

La maggior parte degli artisti più famosi di questo periodo sono italiani: Leonardo da Vinci, Brunelleschi, Lotto, Michelangelo e Raffaello. L’opera più caratteristica e rappresentativa di questo periodo è l’affresco nella volta della Cappella Sistina dipinta da Michelangelo.

Nel ‘400 tutti i linguaggi artistici si “parlano” e trovano un accordo nel tipo di opere e soggetti da rappresentare, dando ampio spazio a quelli religiosi visto che la chiesa cattolica è finanziatrice di tutti gli artisti più importanti dell’epoca.

L’arte del ‘500, il Caravaggio

In questo periodo l’arte punta su due fattori fondamentali: i colori tonali e la perfezione del disegno, volta soprattutto ad aumentare l’espressività dei soggetti rappresentati. Maestro in questo campo è Caravaggio, le cui opere dominano il secolo e rimangono a oggi tra le più famose di sempre.